È attivo il pre order del nuovo vinile degli Eraclea, "Deriva", un progetto che vedrà la luce solo in 33 giri in un numero limitato di copie, mentre non sarà mai disponibile in streaming.

Per Eraclea il mare non è solo acqua e cielo. È la risacca dell’adolescenza veneta, la salsedine di Jesolo, la promessa di Venezia: lo sfondo iper‑pop e spensierato di Toboga. Con Deriva quella stessa scena si scurisce: la calma si incrina, il blu diventa più denso.

Non è un ritorno, è un’immersione. La band smette i panni dei cronisti della costa e diventa esploratrice di ciò che sta sotto. La barca non è più un simbolo estivo: è in balia di forze che non controlli. Non ci sono pirati, ma qualcosa di più semplice e più spietato: eventi più grandi di te, capaci di inghiottire legno, carne e ricordi.

La discesa inizia con Coordinate. Un arpeggio di synth apre una specie di nebbia sonora. I marinai urlano senza più riferimenti, la realtà si allenta, le menti vanno alla deriva. In mezzo a questo, appare Calipso: dea, miraggio o allucinazione, poco importa. È la prima spaccatura: da qui il viaggio è già fuori rotta.

Nel vuoto salgono i ricordi. Next Stop interrompe l’estetica navale ma non la caduta interiore. Su un groove elettronico e insistente scorrono stazioni e quartieri: Venezia Santa Lucia, Fincantieri a Marghera, Treviso Santa Bona, Roma Tiburtina, Bologna Piazza Verdi, Torino Porta Nuova. Non sono solo nomi: sono fughe in treno, notti sbagliate, prime volte, rischio. L’ultimo giro di memoria prima che la barca scompaia sotto la linea di galleggiamento.

Prima del punto di non ritorno c’è ancora un grido. Quello che fu entra con un’energia rock anni Settanta: è insieme attacco e resa. I marinai si attaccano al ricordo del capitano che guidava la ciurma verso promesse. Il brano è un saluto secco a un’epoca di avventure e gloria: è stato quello che è stato, senza revisioni.

Poi arriva il fondo. E lì succede qualcosa. Goodbye è la suite della trasformazione. La nave non scompare: si smonta. Drappi, bandiere incastrate tra gli scogli, libri (Gurdjieff, Schopenhauer, Lao Tzu) diventano pezzi di un altro ordine. I venti – harmattan, grecale, bora – si sommano in un unico rumore di fondo. Elettronica pulsante, batteria ossessiva, chitarre cariche di distorsione e sax costruiscono un clima denso che accompagna l’ascesa: la barca diventa astronave, risale dal fondo non per fuggire, ma per tornare alla luce. È un nuovo inizio, senza più la stessa pelle.

Le ombre, però, restano sullo sfondo.

Artwork, foto e immagini a cura di Giulio Favotto

L’album dei SANTAMANTE è un’esplorazione sonora che attraversa le zone più oscure e luminose dell’esperienza emotiva, tessendo insieme elementi di passione, ribellione, dolore e redenzione.

La voce si fa strumento potente, capace di mettere a nudo ferite e desideri, mentre le chitarre e i sintetizzatori costruiscono ambientazioni sonore ricche di tensione e suggestione.

Le batterie, costanti e decise, sono il cuore pulsante che sostiene un flusso emotivo denso e a tratti travolgente. La band continua a esplorare e ridefinire il proprio linguaggio musicale, dando forma a un intreccio in cui voce e strumenti si fondono in un unico flusso narrativo.

L’album è un’esperienza collettiva e viscerale: un nodo sonoro e narrativo che affronta le contraddizioni dell’esistenza abita l’ambivalenza dell’essere e trasforma la sofferenza in forza creativa.

«Volevamo un disco che non mollasse mai la presa, che affrontasse ogni curva con il piede spinto sull'acceleratore. Santamante naviga in un mondo sonoro e verbale privo di smussature e levigature, spigoloso e tagliente, pericoloso».

"Adios Cabrones" è il quarto attesissimo album dei COLLA.

I COLLA sono l'Hard Pop Punk band vicentina che nel giro di pochi anni ha snocciolato in modo seriale singoli anthem entrati di diritto nelle playlist editoriali italiane Spotify di musica alternativa. I COLLA, freschi di un cambio di formazione (Mattia Crestanello alle chitarre prende il posto di Mauro Poli), continuano a macinare musica che inchioda alle cuffie, perché questo sanno fare, e c'è da augurarsi che continuino a suonare ancora a lungo.

I COLLA sono hard perché sono incazzati e pestano più duro possibile su fusti, basso e chitarre;

I COLLA sono pop perché le loro melodie ti si incollano addosso come una zecca velenosa;

I COLLA sono punk perché ti dicono le cose come sono, e, se non sei d'accordo, non può fregargliene di meno.

"Adios Cabrones" ora è anche in VINILE

Into The Wasteland è il terzo album dei Neko At Stella, nuovo fondamentale tassello del percorso della band stoner / psychogaze toscana, in uscita a sette anni di distanza dal precedente Shine (che seguiva l'esordio eponimo del 2013), e definito dalla rivista Rumore come pietra angolare del desert core: una sorta di nuovo sottogenere musicale, caratterizzato da wall of sound luciferinini che miscelano blues, stoner e psichedelia ad echi shoegaze, a tratti granitici, a tratti drammaticamente dilatati. Questi sette anni sono stati necessari per maturare e mettere nuovamente a fuoco le idee, per circoscrivere con ulteriore precisione i contorni cupi dei tempi che viviamo, la terra perduta che abitiamo, ormai ridotta ad un guscio arido e morente. Il disco nasce dalla preziosa collaborazione con Håkon Gebhardt, cantautore e musicista che ha girato il mondo alla batteria dei Motorpsycho. Into The Wasteland esce per Dischi Soviet Studio / Santa Valvola Records in tutti gli stores digitali e in vinile venerdì 4 Aprile.

Into The Wasteland è stato interamente scritto e suonato dai Neko At Stella. Registrato da Håkon Gebhardt al Das Boot Studio di Firenze, masterizzato da Matt Bordin all'Inside Outside Studio di Volpago del Montello (Tv).

Prodotto da Håkon Gebhardt e Neko At Stella. Artwork di copertina è di Elisa Brilli. Foto di Fabrizio Batisti.

NEKO AT STELLA: Glauco Boato (voce, chitarre), Jacopo Massangioli (batteria), Roberto Pecorale (organi, piani elettrici).

Disponibile solo in formato vinile “7 pollici” a tiratura limitata acquistabile ai loro concerti tornano I FIUMI. I FIUMI, dopo il loro omonimo esordio, continuano a scrivere e suonare rock songs in cui con-fluiscono quattro temperamenti musicali tra i più inquieti e produttivi della scena italiana contemporanea. Nei loro brani, offrono in “coro” lo scuotimento e la potenza di canzoni assertive e insieme lievi dove “non afferrare” e “fluire” sembrano l’unica via percorribile. “Perdoniamo Caino” è l’unica traccia liquida distribuita su tutte le piattaforme dal 15 ottobre.

PERDONIAMO CAINO Sono ombre ferite quelle che dominano noi stessi e il nostro presente sociale. Ecco allora l’urgenza di incontrare l’oscurità ingovernabile che ci abita, conoscerla, renderle omaggio e trasformarla perché da questa trasformazione individuale una rivoluzione collettiva è ancora possibile.

SULLA PESTE CORIANDOLI “Come rimanere interi nel paradosso della vita? Come sostenere con lucidità il peso delle contraddizioni con le quali ci misuriamo costantemente? Forse volgendo lo sguardo verso qualcosa di antico e senza nome, verso l’invisibile che ci pervade e ci insegna la fiducia di riempirsi di tutto senza trattenere niente.”

Testi: Sarah Stride Musiche: Sarah Stride/Andrea Viti/Xabier Iriondo/Diego Galeri Mastering: Giovanni Versari Grafica: Sy_movingart Prodotto da: I Fiumi

Enrico Teno Cappozzo, se vivi tra Vicenza, Treviso o Padova, e apprezzi la musica alternativa, lo conosci sicuramente. Magari ci avrai fatto amicizia sopra un palco, al chiosco del festival, alla stamperia La Scatola Nera o mentre organizzava qualsiasi cosa con la stessa passione e testardaggine di sempre. Magro come un chiodo ma tutto nervo Teno, a forza di portare pesi ben più consistenti dei suoi 50 chili e di travasare bile ad ogni nuovo governo, perché uno libero come lui non può accettare alcun compromesso, te ne rendi conto sin dal primo sguardo. Se vivi tra Vicenza, Treviso o Padova, non puoi non volergli bene, perché passano anche gli anni, le mode, la musica cambia, ma lui è sempre dannatamente a cantare del marcio di questo paese, degli arraffoni, dei giochi di potere che divorano sempre ed inesorabilmente gli ultimi. E Teno non la manda a dire, disperato e incazzato come sempre, spesso con l'aiuto dei tanti compagni di avventure che nel tempo ha conosciuto, da Giorgio Canali ai Rossofuoco, passando per iMelt e per metà della scena alternativa veneta ed emiliana. Teno è tornato, adesso si chiama OH!, ha dei nuovi musicisti che talvolta lo seguiranno sul palco, talvolta invece sarà insieme a qualcun altro, magari pescato pochi minuti prima di suonare, magari, chi lo sa, sarai proprio tu che leggi. Ma solo se abiti tra Vicenza, Treviso o Padova, perché Teno è un eroe italiano, ma di una Italia che non lo conosce, un artista rimastone, come dicono qua, rimasto indietro a quando la musica era un'esigenza e serviva come l'aria. Ma attenti che al prossimo live vi viene a prendere dalle ultime file e vi dà la sveglia con una scarica elettrica.

Imbevuto delle numerose influenze musicali dei componenti della band, formata dal nucleo dei Soviet Ladies (Matteo Marenduzzo, Luca Andretta e Paolo Trolese) a cui si è unito Walter Zanon - anche lui in passato attivo in progetti musicali del Nord Est come Disfunzione e Mi Sa Che Nevica - il progetto Lacosa è nato nel 2018, inizialmente per lavorare su brani strumentali. Fondamentale è l'influenza del cinema di fantascienza degli anni a cavallo tra i '70 e gli '80, tanto che l’idea di partenza era di creare una soundtrack per un film immaginario, ispirato al libro illustrato “Spacewreck” di Stewart Cowley (“Catastrofi Spaziali in Italia), del 1979. Lo stesso nome della band rivela la passione per un mondo, potremmo chiamarlo immaginario, in cui musica, cinema e arti visive convergevano in uno stile inconfondibile. Dopo l’ingresso di Walter nella band nel 2019, le tracce fino ad allora prodotte sono state rielaborate e trasformate in canzoni. Il disco è stato registrato in session diverse, a distanza di anni (in parte nel 2019 e poi nel 2022) in parte in analogico (con un vecchio registratore Revox), in parte in digitale. Il drumming è principalmente elettronico, realizzato su pad e drum machine, mentre i suoni nativi di sintetizzatore sono stati ampiamente filtrati ed elaborati per cercare di dare l’idea della lontananza, del passato e del ricordo, anche attraverso l’uso di un vecchio campionatore a 12 bit E-mu, chitarre e basso fanno più spesso un lavoro di punteggiatura che di guida. I quattro trovano un terreno comune nell'amore per la new wave, il dream pop, l'indie elettronico ma la lunga gestazione del disco, in parte dovuta agli impegni personali, in parte ai rallentamenti che tutti hanno subito durante il periodo pandemico, fa loro partorire un oggetto imprendibile e dissonante, a tratti tagliente, distante e appassionato nello stesso tempo. La scrittura dei brani è stata mossa da un lavoro di introspezione e rielaborazione di esperienze personali, anche traumatiche. La principale ispirazione è arrivata non tanto dai suoni, ma da luoghi fisici (rovine classiche e medievali) come metafora della capacità di riscoprire il passato e tentare il gioco impossibile di darne una lettura. I testi percorrono la strada che porta, se si è fortunati, a quella comprensione di sé, a quella illuminazione che si può sperimentare una volta terminate le transizioni da eventi dolorosi. E' un disco che gioca con la claustrofobia, in cui la band sembra sempre sul punto di cedere a idee melodiche e ritmiche di ampio respiro per fermarsi qualche passo prima di cadere in quella tentazione, scegliendo la svolta che porta in un corridoio di suoni stridenti, portandoci per mano in un labirinto di synth e chitarre in cui ha senso perdersi. Anche i brani più radiofonici come "Nagger" e "Je SUS" (scelti infatti come singoli usciti prima dell'album) non abbandonano completamente la strada più sghemba, lasciandoci piacevolmente disorientati. LACOSA è un esordio ma anche un progetto che nasce inevitabilmente già maturo e consapevole, vista la lunga esperienza dei suoi membri: una nuova avventura, una nuova vita a cui si è giunti attraverso un processo catartico dove la musica ha sempre il suo ruolo centrale.

Tracce 1, 2, 5, 8, 9 composte da L. Andretta, scritte da L. Andretta e W.Zanon Tracce 3, 6, 7 scritte da LACOSA Traccia 4 composta da M. Marenduzzo, scritte da M. Marenduzzo e W. Zanon Prodotto da LACOSA e M. Marenduzzo Registrato da M. Marenduzzo al Soviet Studio Mixato e masterizzato da M. Bordin all’ Outside Inside Studio (tranne la traccia 1, mixata da M. Marenduzzo) Con il contributo di Nuovo Imaie, nuove produzioni discografiche 2022 - 2023

Tre musicisti/artisti di inarrestabile creatività e chiara fama hanno musicato per la prima volta dal vivo a Germi (Milano) la trilogia detta dell’anima (weightless) dell’amatissimo regista culto Terrence Malick in tre appuntamenti distinti, tre concerti, uno per ogni film, Tree Of Life, To The Wonder, Knight Of Cups. Le tre performance, registrate dal vivo da Guido Andreani, vanno a costituire i brani contenuti nell’album di debutto omonimo che uscirà, solo in vinile, il 17 Novembre 2023 per Dischi Soviet Studio Studio / Prismopaco / Atelier Sonique.

“È musica post-rock nella misura in cui lo sono dischi come Spiderland (Slint), What Burns Never Returns (Don Caballero), Standards (Tortoise) oppure Mirrored (Battles) ma con la quota di improvvisazione in assoluta prevalenza rispetto al consueto modus operandi. La musica del disco è nata la sera stessa dei concerti in modo completamente estemporaneo, raccontando un ascolto reciproco e intesa a livelli raramente percepibili anche in produzioni di dichiarata vocazione jazzistico/improvvisativa.”

Così i tre musicisti amano descrivere un lavoro che si presenta essere una rara gemma sia nel panorama delle pratiche improvvisative che del rock creativo di tutte le epoche.

“Il disco è una fotografia di un momento, una testimonianza unica di una sinergia che si rinnova ad ogni concerto e che mai si ripete. Chi verrà ai nostri concerti non ascolterà i brani del disco ma ogni volta musica nuova che si genera all’istante come un flusso di coscienza.”

Aberto N. A. Turra Già con Roy Paci “Corleone”, Pierpaolo Capovilla, Shanir Blumenkranz, Kenny Grohowski, Brian Marsella, TAAN, Papa Legba Is Our Sensei, Sonata Island Kommandoh, Sarah Stride e molti altri, è uno dei chitarristi elettrici più vigorosi e poliedrici del panorama italiano e internazionale; si distingue nell’infondere grande intensità a un singolare virtuosismo, i quali uniti a una forte vocazione melodica (nonché avant) restituiscono una rara capacità espressiva. Presente nel corso degli anni in alcuni tra i più autorevoli jazz festival come l’International Jazz Festival Saalfelden (Austria), Victoria Gasteiz Jazz festival (Paesi Baschi), Torino Jazz Festival, JazzMi Milano Jazz festival, Udine Jazz, Roma Jazz Festival, Chant Record Launch Festival (New York).

Giovanni Calella Tra i progetti firmati, suonati e prodotti i Kalweit and the Spokes, con 2 dischi all’attivo e un tour negli USA, insieme a Georgeanne Kalweit e Leziero Rescigno. Adam Carpet con tre dischi all attivo e vari tour anche in Europa, insieme a Diego Galeri, Alessandro Deidda, Killa e Silvia Ottana. Come musicista e produttore svariate collaborazioni tra cui: Alessandra Contini (Il Genio), Micol Martinez, Barbara Cavaleri, Julitha Ryan, Dario Ciffo (Afterhours), Esa, Dave Muldoon, Alessandro Grazian, Frankie Hi-Nrg, Delta V e altri. Con il progetto solista Korinami pubblica, per diverse labels estere, svariati EP di musica elettronica muovendosi tra ambient e techno. Come sound design musica diversi films e spettacoli teatrali.

Diego Galeri Batterista in costante evoluzione, si distingue per lo stile che miscela la musica rock con le più svariate influenze. Con i Timoria, dal 1985 al 2003, ha pubblicato 12 album. Più recenti i progetti, di cui è co-leader e autore, Miura, Adam Carpet, Gentle Eyes In The Gloom. DEL10 è invece il suo progetto solista interamente dedicato alla musica elettronica. Ultimi in ordine cronologico i progetti Pantalon, duo sperimentale, con cui pubblica “Albun” nel 2022 e I Fiumi, quartetto rock, il cui album d’esordio è uscito a Febbraio 2023.

Crediti Three Low Bias A Being Christian Bale Not So Sad Anima/Animus Can A Porcupine Live In Panama? Unresolved Sexual Tension

B There Is No Healing, There Is Letting Go Natalie Portman’s Priority There’s Nothing But Void Post-Rock For Wondering Girls

Musiche di Three Low Bias

Registrato dal vivo da Guido Andreani a Germi Luogo di Contaminazione - Milano

Assistente Tullio Treffiletti

Mixato da Giovanni Calella al Diabolicus Studio - Milano Masterizzato da Giovanni Versari a La Maestà Mastering

Grafiche di Elisa Monti - Basta Foto di Diego Galeri Prodotto da Three Low Bias

«E questo musicare la storia è una gioia immensa che porto dentro di me e che dedico a mia moglie e ai miei figli e a Sandro. Fin da subito avevo chiaro in mente il suono che doveva accompagnare le mie parole di condanna e rinascita. Scrivendo quasi tutti i brani con la chitarra elettrica, ho creato due entità Mian ed Egon, per raccontare la mia versione dell’eterna lotta tra il bene e il male. Inizia così il cammino atto a risvegliare le coscienze. Il viaggio è una presa di coscienza della vita più vera e intima, fondata su sani principi, con lo scopo di far crollare stereotipi e falsità e riscoprire un mondo di bellezza, un mondo nascosto di persone che già hanno intrapreso questo cammino, ma che sono oscurati dall’ombra creata da una classe dirigente politica e finanziaria incompetente e poco lungimirante». Beppe Cunico

“From Now On” è il secondo disco di inediti di Beppe Cunico, cantautore, musicista e ingegnere del suono vicentino, un lavoro duro e ricco di rabbia che porta in musica l’eterna lotta tra il bene “Mian” e il male “Egon”. Un disco fatto di energia positiva che riporta la musica suonata in primo piano, in totale libertà da vincoli di moda o tendenza

Un sound alternative pop-rock e una voce intensa costituiscono la spina dorsale di un progetto frutto dell’unione dei quattro musicisti, tutti provenienti da importanti esperienze precedenti (Timoria e Afterhours, per citarne solo due). Una collezione di dieci brani in cui la voce di Sarah Stride segue con fluidità l’insieme delle sonorità consolidate di Xabier Iriondo, Andrea Lombardini e Diego Galeri. Le produzioni dosano il pop-rock con elementi new wave e post-punk. Generi e timbri di impatto sono accompagnati da una narrazione sempre melodica e poetica.

“Restare sé stessi nel continuo mutamento, diventare ciò che si è, ardere d'inconsapevolezza e poi conoscersi, esplorare i continenti della vita e liberarsi nella musica e nella poesia – è il commento della band – Rimescoliamo le acque torbide della musica italiana riconoscendoci nella forza della parola e nell'immediatezza del suono ruvido, da levigare lentamente come rocce nella corrente”.

La poesia di Ungaretti che ispira il nome della band e il titolo dell’album si ritrova anche nell’omonima traccia, una ballata-omaggio al panta rei di Eraclito e un invito al carpe diem. I dieci brani del disco costituiscono un’introspezione ragionata della vita, in tutte le sue sfaccettature. Dall’importanza di saper cogliere i doni che la vita fa (“Il Dono”), al bisogno di cercare sempre (“In fondo all’incendio”), fino all’essenza stessa di ciò che siamo (“Caterpillar”). Non manca l’amore (“Quello che serve”), così come l’invito ad andare oltre il percepito dai sensi (“Muta”).

I FIUMI Sarah Stride: voce Xabier Iriondo: chitarra Andrea Lombardini: basso Diego Galeri: batteria

Testi di Sarah Stride Musiche di Sarah Stride, Xabier Iriondo, Andrea Lombardini, Diego Galeri

Registrato e mixato da Antonio Nappo al Q Recording Studio Masterizzato da Giovanni Versari a La Maestà Mastering Daniel Bestonzo tastiere su I Fiumi e Quanto Più Rumore Grazie a Simona Angioni per la collaborazione ai testi di La Festa, Quanto Più Rumore, Caterpillar e Questi Giorni

Artwork di Elisa Monti per Basta.

Prodotto da I Fiumi e Antonio Nappo

Edizioni Freecom Srl

Xabier Iriondo suona Gibson, ACnoises Andrea Lombardini suona Ibanez, JF Audio, Dogal Strings Diego Galeri suona Gretsch, Sabian, Vic Firth

MENK’ ( ՄԵՆՔ ) means ‘’us’’ in the armenian language. MENK’ is Xabier Iriondo and Franz Valente.

Two artists that work, grow and create together. It happened again and, this time, a new project is born.

The duo shares many years of friendship and musical projects. This time they created 8 new tracks with the clear purpose to fracture the walls between sludge/doom music and electroacoustic avantgarde.

Cymbals, harmonium, string instruments, electronic music, metal percussions, snare drum and electric guitar are blended together and create a kaleidoscope of tones and colours, silence and noises in a sequence of dynamic turnover that makes this music timeless.

All these tracks have been recorded in the Armenian Church of Villa Albrizzi (Treviso, Italy) on March 12th 2023.

Musiche di Xabier Iriondo e Franz Valente. Fotografie di Michele Piazza (band e artwork). I disegni e le illustrazioni che completano l’artwork sono di Elisa Mezzanotte.

MENK’ ( ՄԵՆՔ ) means ‘’us’’ in the armenian language. MENK’ is Xabier Iriondo and Franz Valente.

Two artists that work, grow and create together. It happened again and, this time, a new project is born.

The duo shares many years of friendship and musical projects. This time they created 8 new tracks with the clear purpose to fracture the walls between sludge/doom music and electroacoustic avantgarde.

Cymbals, harmonium, string instruments, electronic music, metal percussions, snare drum and electric guitar are blended together and create a kaleidoscope of tones and colours, silence and noises in a sequence of dynamic turnover that makes this music timeless.

All these tracks have been recorded in the Armenian Church of Villa Albrizzi (Treviso, Italy) on March 12th 2023.

Musiche di Xabier Iriondo e Franz Valente. Fotografie di Michele Piazza (band e artwork). I disegni e le illustrazioni che completano l’artwork sono di Elisa Mezzanotte.

"Bionda e Disperata" è un lavoro che si presenta senza la pretesa di essere applaudito: puro, crudo, così come lo stato d’animo che lo accompagna. Una scelta, un’intenzione precisa, il rifiuto della musica come accessorio, come sottofondo. L'utilizzo del field recording lungo tutti i brani che compongono il disco ne sottolinea il carattere intimo e chiede la nostra attenzione: come la fotografia di una folla danzante, immortala dettagli che sfuggono ad una prima occhiata e ascolto. L'artwork del disco (un dipinto dell'artista sud coreano Gyo Boum An) ne rappresenta in pieno il mood: un volto in contemplazione subisce pennellate impulsive, variopinte, che se da una parte lo accecano, dall’altra gli fanno da caleidoscopio. Il titolo ne rappresenta il contenuto. Alcuni brani dalle venature dark e introspettive (cop, Bedford, quandolam) cui fanno da contraltare canzoni più "bionde" come Moravia (citazioni consapevole di Battiato) o la caraibica "MA". L'artista trentino sceglie di rappresentare questa realtà in mutamento, artistico, politico, sociale come uno schianto creativo costellato di molte collaborazioni e sound diversi che danno ad ogni brano un colore differente. "Bionda e disperata" è un lavoro autobiografico ma non dipinge solo il profilo autoriale: la nostra vita è indissolubilmente legata all’esterno, dove ad una società che cambia corrisponde un individuo in costante divenire, tanto da essere quasi irriconoscibile ai suoi stessi occhi. E’ l’elaborazione intima del cambiamento del nuovo millennio in una chiave diversa dalle altre presenti nella scena musicale: con Bionda e Disperata N.A.N.O. riesce a dare uno sguardo consapevole, disilluso e divertito allo stesso tempo, di ciò che ci circonda.

Riccardo Miori: chitarre acustiche, mandolino e mandola Sara Picone: Voce femminile su QND Michele Bazzanella: Basso su Michele Christian Stanchina: Tromba e Flicorno su Michele Davide Dalpiaz: Synth, Piano, Tasti Vari Marco Gardini: Chitarra elettrica su Michele e banjo su Spartiacque Stefano Pisetta: Batteria su Michele e Speciale Pierpaolo Ranieri: Basso su QND Tommaso Lapiana: Rappata su Ma Granfranco Baffato: Voci su Ma, Batteria su Bedford Noireve: elettronica organica e meraviglie varie su Speciale e Bedford Fabio de Pretis: Backing vocals su COP Red: Chitarra su COP Alice Righi: voce su Speciale Tomas Pincigher: Chitarre su Bedford, COP e Quandolam Bastard Sons of Dioniso: Cambiostagione Dennis Pisetta: percussioni su Giga

Le voci che parlano in Castigliano sullo sfondo di Bedford sono di: Maria Florencia Ledesma e Isabel Rosa Pedrotti

La voce che dice: ""ma che schifo" su Moravia è di Eleonora Lo Cicero

Un grazie speciale a Piero, Caterina Cropelli, Francesca Bazzoni, I Bastard Sons Of Dioniso, Gino de Crescenzo, Matteo Curallo, Daniele Groff, Luca Baracchetti love love subledluc [FTLF]

registrato da Raoul Terzi @Good Wave Recording di Spiazzo Rendena (goodwaverecordings.com) da Luca Tacconi @ Sottoilmare studio di Povegliano Veronese (sottoilmare.it) da Fabio de Pretis @Bluenoise studio di Mattarello (blue-noise.it) Masterizzato da Mauro Andreolli @das Ende der Dinge (dedd.eu)

Produzione Esecutiva: Piero Fiabane, Soviet Studio Records, Emanuele Lapiana, Federica Baldo Bogojevic Produzione Artistica: Emanuele Lapiana e Fabio de Pretis

l'immagine di copertina è il quadro image-model(face) dell'artista GyoBeom An (http://www.saatchiart.com/gyobeoman)

L’impaginazione grafica ed i font sono stati realizzati da Sara la Rossi (saralarossi.it) Le fotografie di N.A.N.O. sono di Pietro cappelletti (pietrocappelletti.it)

Grazie ai funders che hanno aderito alla campagna di Musicraiser Ed in particolare a: Margherita Pisoni Claudio welber Renata Rossi e Antonio Bastanza Giorgia Etna Beber Lorenzo Fabbian Nicola Moltrer Antonio Manara Gianluca Dardi

Questo disco è dedicato alla memoria di Dennis Pisetta e Giancarlo Susanna

Verità per Giulio Regeni

Mi Commuovo, Se Vuoi è Il primo album solista di Mario Pigozzo Favero, per oltre vent’anni autore dei brani dei Valentina Dorme. Un lavoro che ha occupato gli ultimi tre anni, tra scrittura, riscrittura e registrazione. Un parziale allontanamento dalle sonorità aspre e oblique – se pur romanticamente cantautorali - della band d’origine. Qui troviamo un suono più complesso e stratificato, che abbraccia mille atmosfere (si può ancora dire generi?). Un lavoro vario e meno rock rispetto al passato (poche e sempre piuttosto controllate, le chitarre), più attento alle componenti elettroniche e pop (loop, sample e sintetizzatori spesso recitano ruoli tutt’altro che secondari), con orchestrazioni e arrangiamenti curati dal nutrito gruppo di musicisti coinvolto – molti di questi presi in prestito da alcune delle band più talentuose della penisola. Ciò che dei Valentina Dorme rimane immutato è il lavoro sui testi, capaci di descrivere da punti di vista inediti quotidianità e amori andati, scenari di varia – e spesso disillusa - umanità, a volte rassegnata, a volte caparbiamente aggrappata a ciò che rimane, altre volte ferma a osservare le vicende con disincanto e un soffio di ironia. Mi Commuovo, Se Vuoi esce per Dischi Soviet Studio (distribuzione Audioglobe/Believe) questo 28 Gennaio.

Le tredici tracce di Mi Commuovo, Se Vuoi poggiano la bocca e mordono una parvenza di futuro, declinato all’interno di una signorile scuola cantautoriale con la quale l’Italia non ha mai veramente fatto i conti. Un futuro messo all’angolo, che non chiama e non ha nome. Una macchia di tempo indistinto glassata di cinico disincanto e una manciata di canzoni.

Quando il mondo va in pezzi alcune cose riescono a rimanere al loro posto, con il cuore, alcuni accordi e un equilibrio di vita faticoso e incerto. Ma reale. Questo disco è una di quelle.

Il lieto fine è andare avanti. Michele Benetello

La produzione e gran parte degli arrangiamenti sono opera di Martino Cuman (Non Voglio Che Clara), che - oltre a aver registrato e mixato il disco - suona basso, tastiere, chitarre e mille diavolerie elettroniche. Al suo fianco, hanno suonato, cantato e collaborato agli arrangiamenti Fabio De Min (Non Voglio Che Clara - partiture di archi e fiati), Diego Dal Bon (Jennifer Gentle, Public - batteria), Marta Cannuscio (La Rappresentante di Lista - batteria elettronica), Marcello Batelli (Non Voglio Che Clara, Bachi da Pietra - chitarre) il trombettista jazz Francesco Ivone, Edoardo Piccolo (Non voglio che Clara – pianoforte e tastiere), Guido Berton (Public, Disfunzione – chitarre acustiche), Arrigo Pietrobon (oboe), Sebastiano Crocetta (pianoforte). Tocco finale, in fase di mastering, di Giulio Ragno Favero. Gran parte delle registrazioni, visto anche che una considerevole porzione del lavoro è avvenuta durante la pandemia, si è svolta a distanza, tra il 2018 (le bozze) e il 2021 (il compimento). Il contesto che ha ospitato le riprese finali è il Sotto il Mare Studios di Luca Tacconi (luglio 2021)

Registrazioni effettuate da Martino Cuman con Luca Tacconi, Marcello Batelli e Giovanni Schiesaro. Mastering di Giulio Ragno Favero. Immagine di copertina: Gabriele Zeller. Foto di Gianluca De Santi.

Non è la stessa cosa per tutti scrivere canzoni. Vi sono necessità ineluttabili in taluni casi; è questione a volte di sopravvivenza, di ricercare un equilibrio perduto. Cantare canzoni onorando chi l’ha fatto prima e meglio di noi ma con la certezza di sapere da dove arriva quella sapienza che abbiamo ascoltato un tempo, ma anche quella strafottenza: questa è la traccia da perseguire, questo il patto che cerchiamo di rinnovare. Certo che abbiamo una storia alle spalle ma non possiamo raccontarla qui, come abbiamo le nostre influenze musicali da cui non ci cureremo mai. È inutile menarla per le lunghe, chi vorrà capire potrà farlo da giovedì 1 marzo quando per etichetta Soviet Dischi uscirà il nuovo disco dei Public nei formati Vinile, CD e sui principali portali di download digitale.

Blu è il colore della nostalgia e le scelte di suono di questo disco rimandano alla new wave e gli 80’s, un’origine da cui Valente ha cercato di far evolvere un nuovo suono, contemporaneo, che include anche quell’esperienza artistica seminale, ma la supera : quindi il “blu di ieri” è un omaggio affettuoso, ma al tempo stesso un superamento di “ieri”, “cancelliamo il blu di ieri” , canta la title track.

En Roco Enrico Bosio: voce, chitarra e percussioni Francesco Conelli: voce e chitarra Rocco Spigno: basso, synth Francesca Sophie Giona: pianoforte, rhodes, ukulele e fisarmonica Lorenzo Santagada: batteria, percussioni e glockenspiel

Hanno partecipato Roberto Vinci: batteria in tutte le tracce eccetto “Mi perdono” e “Su quei monti” Lori Goldston: violoncello in “Il dio del mare” (registrato da Kyle Hanson) Amerigo Verardi: voce in “La soluzione” Gionata Mirai: chitarra 12 corde in “Mi perdono” (registrato da Giulio Ragno Favero a il Blocco A) Gimmi Guenn: cori in “In senso deteriore” Deian Martinelli: voce in “In senso deteriore” Tristan Martinelli: voce in “In senso deteriore” Alessandro Davi: banjo in “In senso deteriore” Jacopo di Forte: clarinetto in “In senso deteriore” e “Qualcosa da dire”

Registrato live una domenica dello scorso anno; post-prodotto, mixato e masterizzato tra Marzo e Ottobre del 2015 da Emanuele Cioncoloni @ El Fish Recording Studio, Genova

Custodia progettata da Papê, Genova Progetto grafico a cura di Egg Creative Stuff Copertine serigrafate presso il laboratorio di Disorder Drama Tagliato, piegato e incollato a mano dagli En Roco tra Aprile e Settembre 2016